Currículum de animador/a: ejemplos y guía para redactarlo

Este ejemplo es para un animador que empezó con vídeos explicativos, pasó dos años en una agencia haciendo motion design y ahora anima planos de personaje en una serie de televisión. Los estudios y la escuela son inventados. Si no tienes créditos en estudios, usa la sección de más abajo.

Los directores de animación ven los primeros ocho segundos de un reel y deciden. Así que el currículum tiene dos funciones: que el enlace sea imposible de pasar por alto y responder a lo que un reel no puede contar, como a qué ritmo trabajas y si sabes encajar notas.

• Pon la URL del reel en la primera línea de contacto como texto plano, con la duración. En animación se espera un reel de 60 a 90 segundos.
• Indica que incluye desglose de planos. Los directores quieren saber qué parte de cada plano es tuya: solo la animación o también layout, rig, iluminación y composición.
• Abre el reel con tu mejor plano, no con una cartela. Una intro de diez segundos con tu logo quema toda la primera impresión.
• Adapta el reel al puesto. Un reel de animación de personajes para un puesto de personajes, uno de motion design para una agencia. Dos enlaces en el currículum están bien si los puestos son distintos.
• Nunca metas fotogramas ni GIF dentro del archivo del currículum. Rompen la lectura automática y quedan peor que el mismo plano en movimiento.
• Añade las producciones en las que se publicaron tus planos, con el medio y el año. Si aún no se ha anunciado, escribe «serie para plataforma sin anunciar, 2026» y describe el tipo de plano.
• Si un plano del reel fue trabajo de equipo, dilo en el desglose. Los directores siempre se enteran y la honestidad no cuesta nada.

Los responsables de animación planifican al equipo por segundos de metraje. Las agencias, por plazos de entrega. Y todos quieren saber que encajas una nota sin discutir. Escribe logros que respondan a esas tres cosas.

• Oficio: los principios aplicados en la práctica, mecánica corporal, peso y timing, decisiones de actuación, diálogo y sincronía labial, interpretación facial, criaturas y cuadrúpedos, multitudes y animación secundaria.
• Herramientas 3D: Maya, Blender, Cinema 4D, nociones de Houdini y el conocimiento de rigging suficiente para diagnosticar un rig que te está dando guerra.
• Herramientas 2D: Toon Boom Harmony, Adobe Animate, TVPaint, Procreate Dreams, fotograma a fotograma y recortables o rigs de marioneta.
• Motion design: After Effects con expresiones, tipografía animada, capas de forma, creación de sistemas de marca, tracking y rotoscopia, Cinema 4D con un motor de render que conozcas de verdad.
• Tiempo real e interfaces: Sequencer y animation blueprints de Unreal Engine, animator controllers de Unity, Lottie, Rive, presupuestos de fotogramas y blend spaces.
• Preproducción: thumbnails, vídeo de referencia grabado por ti, storyboards, animáticas, planificación de planos y cartas de timing.
• Pipeline: ShotGrid o Ftrack, Perforce o Git, Frame.io para revisiones, normas de playblast y entrega, convenciones de nombres.
• Forma de trabajar: dailies, encajar una nota sin defender el plano, cumplir una cuota, avisar pronto si un plano se retrasa y trabajar según la guía de estilo y no según tu gusto.

«Animador/a» abarca al menos seis trabajos distintos que rara vez contratan perfiles de los otros. Lee la oferta, cambia tu línea de título por la suya y reordena el reel para que encaje.

• Animador/a de personajes, cine y televisión: interpretación, actuación, diálogo, cuota de metraje. El reel necesita un plano de diálogo y uno de mecánica corporal.
• Animador/a de videojuegos: sets de locomoción, combate, desplazamiento, integración en motor, presupuestos de fotogramas, blend trees. El reel debe mostrar capturas dentro del motor, no solo playblasts del visor.
• Animador/a 2D: fotograma a fotograma o rigs de marioneta, a menudo ambos. A los estudios les importa qué pipeline conoces, porque los equipos de Harmony y de Animate trabajan de forma muy distinta.
• Motion designer: rapidez, criterio estético, tipografía, sistemas de marca, rondas con el cliente. El reel es un montaje más que planos completos, y los primeros cinco segundos lo sostienen todo.
• Animador/a técnico/a o con perfil de rigging: rigs, herramientas, scripts, retargeting, arreglos de pipeline. Cuantifica a cuántos animadores desbloqueaste.
• Artista de previs y layout: cámara, puesta en escena, rapidez de blocking, trabajo a partir del storyboard. El volumen por semana importa más que el acabado.
• Artista de storyboard: otra disciplina distinta, que se valora por los storyboards y las viñetas por semana y no por la animación.

La contratación de animadores junior depende casi por completo del reel, y eso es una buena noticia si no tienes créditos. Seis planos sólidos con rigs de producción ganan siempre a un título con un reel flojo.

1. 1Monta un reel de 60 a 90 segundos con 5 a 8 planos terminados: mecánica corporal, una interpretación con diálogo, una interacción entre dos personajes y una pieza que muestre tu criterio.
2. 2Usa rigs de producción que los responsables reconozcan en lugar de uno hecho por ti. Así juzgan tu animación y no tu rigging.
3. 3Graba tu propia referencia y menciónalo. Le dice al responsable que planificas los planos en lugar de ir probando en el editor de curvas.
4. 4Pon los proyectos personales y académicos donde iría la experiencia: título, año, software, qué animaste, número de planos y duración.
5. 5Acepta pequeños encargos pagados: un vídeo explicativo para un negocio local, un set de animaciones para un juego independiente, un videoclip con letra para un músico. Dos trabajos pagados entregados a tiempo son experiencia real.
6. 6Participa en retos y concursos de animación y pon tu clasificación si te fue bien. Los responsables los conocen.
7. 7Haz una mentoría o un curso corto con un animador en activo si puedes permitírtelo, y menciónalo. El ciclo de feedback es lo que mejora un reel junior.
8. 8Di que estás disponible para una prueba de animación. Casi todas las contrataciones junior terminan con un plano de prueba cronometrado, y ofrecerte transmite seguridad.

• Una página. Estudios y agencias lo esperan, y la profundidad está en tu reel.
• Texto sencillo a una columna. Olvídate de las barras de nivel, la cabecera ilustrada y el diseño a dos columnas. Los sistemas ATS de los estudios las leen mal y los responsables las ven como relleno.
• Primera línea: nombre, ciudad, correo y URL del reel con la duración. En animación no hace falta foto ni fecha de nacimiento.
• Pon los créditos con medio, estudio y año. Agrúpalos en un bloque pequeño si tienes más de tres.
• Usa las palabras de la oferta: «animación de personajes», «mecánica corporal», «sincronía labial», «blocking y spline», «dailies», «limpieza de captura de movimiento», «Toon Boom Harmony», «After Effects», «Unreal», «cuota de planos».
• Indica tu zona horaria y si trabajas en remoto, presencial o híbrido. Los equipos de animación están repartidos y las horas en común importan.
• Indica tu permiso de trabajo si te presentas fuera de la UE o si no tienes nacionalidad de un país de la UE. Los estudios a menudo no pueden tramitar visados para puestos junior, y así todos ahorran tiempo.
• Envía un PDF llamado nombre-apellido-animador.pdf de menos de 1 MB.

“Veo el reel y luego busco dos cifras en el currículum: cuántos segundos de metraje a la semana se esperaba que entregaras y cuántas rondas de notas necesitaron tus planos. Eso me dice si puedes aguantar un calendario de producción. Las listas de software no me dicen nada.”